CINE: ‘Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia’: Los vendedores de dientes de Drácula y otras cosas divertidas

BEV UNA PALOMA SE POSO 0 cartel

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Texto por GERARDO CREMER

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Estreno en cine: 29 de mayo 2015

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Director: Roy Andersson

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Calificación: 4 estrellas sobre 5

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Trailer subtitulado de ‘Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia’

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León de Oro a la mejor película en el Festival de Venecia 2014

 

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La composición visual en perspectiva

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La secuencia de inicio de ‘Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia’ se desarrolla en un museo de ornitología. Un hombre de mediana edad contempla una serie de vitrinas donde, en su interior, hay pájaros disecados, uno de ellos (parece una paloma) posado sobre una rama. El hombre tiene una tez pálida remarcada, como si fuera también un muerto. Su esposa espera, entre impaciente y aburrida, a que su marido termine de examinar a las aves. La luz blanca confiere una tonalidad gris-clara a las paredes y al suelo, y remarca el rostro demacrado del hombre.

Lo que más sorprende de la composición es la perspectiva aplicada a la imagen proyectada. Las lentes utilizadas dan profundidad de campo y dan nitidez a todo el espacio filmado. El diseño del plano es tan remarcado, en su perspectiva lineal, que permite localizar, en el encuadre, el punto de fuga. En la imagen siguiente se puede observar cómo, para realizar la fotografía, se han utilizado unas lentes en gran angular, una selección de ángulo de toma (con una cámara posicionada a media altura, para mostrar el suelo y la parte alta de las paredes), así como unas aperturas de lente reducidas que permiten dar nitidez al fondo (lo que en fotografía se conoce como utilizar un número f elevado). Con ello se consigue establecer en la imagen una serie de líneas diagonales que conducen al punto de fuga claramente identificado en el plano. En el ejemplo de la foto del hombre que observa a las aves disecadas, las líneas diagonales se forman al unir los puntos de las esquinas superiores e inferiores de las vitrinas, buscando en su unión el punto de fuga (que se encuentra al fondo de la sucesión de puertas en serie que se ven en la parte de atrás del encuadre) y consiguiendo así que el espacio en perspectiva tenga tanto protagonismo como los personajes dentro de este espacio.

La perspectiva lineal, mediante el control de la apertura de lente y el uso de grandes angulares, identifica los puntoS de fuga en el plano.

La perspectiva lineal, mediante la apertura de lente y los grandes angulares, identifica los puntos de fuga en el plano.

El director sueco Roy Andersson opta por el plano-secuencia de conjunto que permite situar a los personajes en un contexto siempre de cuerpo entero. La definición y claridad de la imagen, junto a la desnudez de los decorados, ayudan a identificar perfectamente los gestos y rasgos de los personajes, aunque sean filmados a distancia. Esta perspectiva, junto a la inmovilidad de los encuadres y la larga duración de los mismos comportan consecuencias. Primero imprimen una calma melancólica a lo narrado en la escena. Y segundo, con la perspectiva forzada y la configuración de la imagen mediante líneas diagonales, se desestabiliza la visión. Las formas lineales de los objetos se distorsionan en su trayectoria hacia los puntos de fuga. Con ello se contrasta, en una misma imagen, aflicción e intranquilidad.

BEV UNA PALOMA SE POSO 2 VENTANA

Los personajes atrapados en las líneas diagonales generadas por las perspectivas.

Los personajes atrapados en las líneas diagonales generadas por las perspectivas.

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La distorsión narrativa

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En uno de los planos-secuencia más largos de la película, una escena desarrollada en un bar, donde los dos vendedores de objetos de risa protagonistas paran a descansar (la película narra el vagabundeo de dos comerciantes ambulantes y su incapacidad de vender sus artículos) y tras unos minutos de impasse narrativo, Andersson se atreve con una ruptura de la verosimilitud narrativa. En el bar hace su aparición el ejército del rey Carlos XII de Suecia (1682-1718) de camino hacia su campaña militar contra el Imperio Ruso. El contraste visual y narrativo que se produce al confrontar personajes del siglo XVIII con otros del siglo XXI puede entenderse como un mecanismo brechtiano, del autor hacia el espectador, que hace de la autoconsciencia el motor fundamental de la narración. La aparición de Carlos XII, entrando con su caballo al recinto, no sólo rompe la monotonía y pesadumbre del momento sino que siembra, a su vez, de crítica del absurdo a la Historia de este país. Nada más entrar el jinete ordena expulsar a las mujeres del recinto y luego pide azotar al hombre que está jugando en las tragaperras. Su destino hacia el fracaso en la batalla contra Rusia no tiene nada de épica, sino que está cargado de estupidez. En un mismo plano Andersson proporciona el comportamiento hastiado de la población sueca del siglo XXI y arremete contra el legado de su Historia.

La inverosimilitud narrativa como fórmula de descrédito a la Historia de un país.

La inverosimilitud narrativa como fórmula de descrédito a la Historia de un país.

Nuevamente, y por la parte final, Andersson arremete contra su patrimonio histórico, en esta ocasión por la participación de Suecia en el comercio de esclavos. Una escena dantesca muestra al ejército sueco introduciendo a unos negros medio desnudos en una ‘caldera rotativa’. Los soldados prenden fuego para calentar la caldera y la hacen girar mientras asan vivos a los esclavos que han encerrado dentro. La escena es contemplada por un grupo de ancianos de clase alta, que salen de su mansión para contemplar, agrupados mientras beben champán, la matanza de seres humanos. La escena en sí no tiene nada de graciosa, pero los elementos utilizados (la caldera, las poses de los militares, los cuerpos decrépitos de los ricos) sitúan la secuencia fuera de la realidad, terminando siendo ésta un aporte más del muestrario del absurdo que es finalmente toda la película.

La caldera rotativa que sirve para asar, como castañas, a los negros africanos hechos esclavos.

La caldera rotativa que sirve para asar, como castañas, a los negros africanos hechos esclavos.

La distorsión narrativa, al igual que la distorsión visual con la perspectiva, están continuamente presentes en toda la película. No sólo es la manera de narrar la historia, donde los personajes secundarios tienen más protagonismo que los protagonistas. Muchas de las escenas funcionan como mini-películas. Algunas agrupadas a modo de una sucesión continua (la historia de amor de la profesora de flamenco con su alumno, el anciano que recuerda en el bar a una camarera que cantó una canción) y otras distribuidas mediante alternancia a lo largo del film (el comandante que llega tarde a sus citas). Otras escenas nacen y mueren en un único plano-secuencia (por ejemplo, la introducción del filme, con tres historias que narran el fallecimiento de tres personas).

Andersson introduce cine musical, humor surrealista, y también personajes que se dirigen a la cámara para hablar al espectador. Pero de todo ello sólo queda un poso amargo. Una intencionalidad de eliminar la línea que separa lo patético de lo divertido.

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Dos referentes: Tati y Kaurismaki

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Ambos directores, Jacques Tati y Aki Kaurismaki, han usado el plano secuencia para criticar a la sociedad en la que viven. Tati, más inventivo, juega con la posibilidad que le dan los objetos para transformarse y generar humor con ellos. Su personaje principal, Mr. Hulot, no participa realmente en la narración. Observa al hombre moderno y percibe como algo incomprensible los objetos, arquitecturas y mecanismos que le rodean. En el cine de Tati el hombre se siente incómodo en su contexto y por ello es ridiculizado.

Kaurismaki usa el plano secuencia para remarcar la pesadumbre, la melancolía que asola al hombre actual. No sólo son las decisiones adoptadas por los gobiernos, que acarrean consecuencias (pobreza, soledad), sino una cultura de vida que trasmite tristeza infinita. Las esperanzas nacen con poca fuerza y pierden fuelle enseguida. El laconismo de sus imágenes lleva a que se tenga una visión negativa de estos países europeos del norte.

Andersson toma un poco de ambos directores. Usa el humor en sus películas al igual que los dos maestros mencionados. Pero su cine es mucho más radical. Al comienzo uno se ríe, pero después la risa se congela. No se sabe bien si su intención es dramática, surrealista o simplemente tan sarcástica que termina hiriendo al espectador. También no respeta nada la Historia de su país, a la que fija como objeto principal de sus dardos envenenados.

GERARDO CREMER

Reportaje de 6 minutos en ‘Días de cine’ (TVE) sobre la película y el director.

 

Comments
One Response to “CINE: ‘Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia’: Los vendedores de dientes de Drácula y otras cosas divertidas”
  1. Fui a verla con conciencia cinéfila y vaya, me entretuvo, sin más. No creo que tenga nada de comedia y sí mucho de teatro (los planos estáticos continuados) y hasta de televisión (las minipelículas). Es una película agria, desesperanzada. Triste. Desalmada. Alienada. La única virtud humanista que se me ocurre es la presencia de los niños, que ilusionan, alegran a los adultos (sobre todo la minipelícula del coche del niño al que hacen carantoñas).
    Sobre la crítica a la Historia de cada país, opino que no se debería hacer mirándola con los ojos y costumbres actuales (algo que entre nosotros es habitual y ridículo e hipócrita). Sobre la escena del asado de los esclavos negros, yo diría que los soldados son británicos (salacots, pantalón corto… y hablaban en inglés), aunque la caldera es marca Boliden, de la multinacional sueca, la misma del vertido de de Aznalcóllar.

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