CINE: ‘Loving Vincent’: Universo Van Gogh

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Texto por GERARDO CREMER

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Estreno: 12 de enero de 2018

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Directores: Dorota Kobiela y Hugh Welchman

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Calificación: 3 estrellas de 5

 

Trailer de ‘Loving Vincent’:

 

La admiración que suscita Vincent Van Gogh (Zundert, Holanda, 30 de marzo de 1853 – Auvers-sur-Oise, Francia, 29 de julio de 1890, fallecido a los 37 años) tanto en niños como en mayores, entre gente instruida o neófitos del arte, supera cualquier razonamiento lógico. Quizá sea el uso de colores vivos, la línea ondulada, la brocha gorda, la proximidad tanto al impresionismo (su capacidad para captar la luz o la veracidad en los retratos) como a otros movimientos más personales y emocionales (el fauvismo, el cubismo y el expresionismo); quizá se deba a ese distanciamiento de la realidad, pero estando siempre en comunicación con la misma. Arte próximo a lo real y al sentimiento, pero realidad alterado por el propio “yo”: una mirada que expresa “lo que se ve” pero que a la vez introduce el “cómo se ve”.

‘La Nuit Etoilée’, uno de los cuadros estrella del Museo Orsay de París.

Curiosamente, el acercamiento de Dorota Kobiela (pintora y animadora polaca) y Hugh Welchman (fundador de la compañía británica de animación Break Thru Film, ganadora del Oscar al mejor corto de animación por ‘Pedro y el lobo’, 2006) al personaje de Van Gogh parte del distanciamiento. El film es una especie de ‘Ciudadano Kane’ (1941) que busca, mediante entrevistas, aproximarse a las razones últimas que llevaron a la muerte del artista. Un distanciamiento narrativo (que no formal) que trata de alcanzar tres objetivos:

– Aclarar el misterio de la muerte del artista.

– Entender los sentimientos ocultos del pintor.

– Acercar al espectador a su obra pictórica.

La historia se inicia un año después del fallecimiento del pintor. En la película, casi todos los personajes son parte del universo Van Gogh. Al comienzo, en la ciudad de Arles, el cartero Roulin (Van Gogh, 1888) le pide a su hijo Armand (Van Gogh, 1888) que entregue a Theo, el hermano de Vincent, una carta que nunca había sido remitida. Este hecho abre el film al género epistolar, ya que serán las cartas de Van Gogh, junto a las conversaciones que Armand va teniendo con otras personas que convivieron con el pintor, lo que sirva de guía narrativa para desentrañar el misterio del artista. El estado mental de Van Gogh planeará a lo largo de toda la película. Mientras el padre de Armand le explica a su hijo que otra carta del pintor le hablaba del buen estado de ánimo en el que se encontraba unas semanas antes del suicidio, Armand recuerda el incidente de Van Gogh entregando su oreja cortada a una joven prostituta.

El cartero Roulin según se representa en el film.

El cartero Roulin en la pintura.

Con cierta desgana por el trabajo encomendado, Armand se desplaza a Auvers-sur-Oise, pero antes se entera, por el comerciante de arte Père Tanguy (Van Gogh, 1987), del fallecimiento de Theo Van Gogh, seis meses después de la muerte de su hermano. La llegada al pueblo donde falleció Van Gogh le abrirá los ojos al mundo de pintor: la pequeña comunidad, los campos y el rio con su barquero y la habitación del hostal donde Van Gogh residió. Armand, desde este instante, se fusionará con los intereses y expectativas del espectador, tratando al mismo tiempo de comprender las causas del suicidio (que, durante ciertos momentos se trastoca en posible asesinato), desentrañar los sentimientos, deseos y pensamientos del artista, y fusionarse con su visión artística del mundo, comprendiendo el origen de sus colores y sus trazos.

Entre el biopic y el relato de investigación, el film se mueve a través de la lectura de cartas y entrevistas que Armand realiza a los habitantes del pueblo. Entre los más destacados se encuentran los amigos del pintor, el Dr. Paul Gachet (Van Gogh, 1890) y su hija Marguerite (Van Gogh, 1890), que guardan para ellos el misterio de la muerte del artista y el amor secreto silenciado, respectivamente. También la dueña de la posada, Adeline Ravoux, o el barquero con quien solía conversar el pintor, pasan a ser personajes destacados.

La estrategia empleada es radical (y a su vez innovadora y repleta de riesgo) al establecer para el tiempo presente narrativo del film el uso de miles de óleos en color y, para el tiempo pasado (en los flashbacks que van componiendo las últimas semanas de vida de Van Gogh), pinturas en blanco y negro. La narrativa empleada es todo un reto para los autores: primero por optar al género de animación para contarnos un biopic oscuro, sin concesiones humorísticas, y después por la modalidad de animación empleada, la pintura al óleo. Aunque su estratagema consiste en que esas pinturas al óleo se basan en el estilo y diseños de los cuadros de Van Gogh.

Los recuerdos sobre Van Gogh se expresan con óleos en blanco y negro.

El contacto inicial del espectador con el film es vacilante. Por una parte se postula el respeto hacia lo que se está viendo: una traslación a imágenes fluidas de los cuadros del pintor, guardando las formas curvilíneas, las imágenes fluctuantes entre el realismo y la imaginación, la separación espacial mediante los colores brillantes… Pero, por otro lado, actúa cierto distanciamiento, cierta sensación de contemplar un “producto” poco natural, excesivamente elaborado. Adicionalmente los directores han tratado de “representar” un estado de ánimo, una desazón que se respira continuamente en las imágenes: por ejemplo, en el uso del blanco y negro en los planos que rememoran los recuerdos de Van Gogh o en la traslación a dibujos de los rostros compungidos de Armand, el Dr. Gachet y su hija Marguerite, Adeline la propietaria del hostal, o el barquero. El ritmo del film es lento, introvertido, quizá focalizado en la reflexión interior del espectador. Una narrativa, a veces compleja de sostener, que va impregnándose de misterio, donde la forma tiene más peso que el fondo y que, en muchas ocasiones, lastra el ritmo narrativo (ciertas conversaciones acaban con excesiva reiteración de la planificación). Por otra parte el hecho fílmico en sí, la representacionalidad de los objetos y seres en movimiento, contiene una extraña inestabilidad por la falta de continuidad (forma /color) entre imágenes sucesivas. Una inestabilidad que podría traducirse en ese estado interior de Van Gogh (su particular locura, su estado depresivo, o su visión única de la realidad), pero que no llega a consolidarse como estructura uniforme (sino experimental) de aquello que se nos está narrando.

El Dr. Gachet: imagen real e imagen en cuadro trasladado al film.

De los tres objetivos del film (dilucidar la causa de la muerte, comprender el mundo interior del artista y acercar al espectador a su arte), los directores Dorota Kobiela y Hugh Welchman consiguen una fusión de todos ellos. El misterio del disparo en el vientre (intencionado, provocado) se relaciona con ese secreto que guarda Marguerite para ella misma. En una de las escenas más bellas de la película, Armand la contempla mientras toca el piano. Aquí el gesto melancólico de la actriz Saoirse Ronan (quien cede sus rasgos e interpretación a los animadores-pintores de Marguerite) desvela un mundo de secretos y conexiones entre ella y el pintor. Quizá en ‘Loving Vincent’ los personajes callan más que hablan. Lo que se tiene que decir está dentro de uno mismo y, muchas veces, su expresión no pasa por conversión directa a lo real. Así, mientras Armand trata de descubrir las causas del suicidio de Van Gogh, los personajes, aquellos con los que se encuentra, hablan en su silencio y la expresión de esas palabras silenciosas termina conectando con los sentimientos del artista: unos sentimientos expresados en imágenes que ensamblan con las intenciones del pintor.

GERARDO CREMER

El gesto melancólico de la actriz Saoirse Ronan.

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